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  • Oscar-Claude Monet Biographie

    Self portrait de Claude Monet
    Oscar-Claude Monet

    (1840-1926)

    Oscar-Claude Monet est célèbre peintre français né le 14 Novembre 1840 à Paris en tant que deuxième fils de Claude Monet Adolphe et Louise-Justine Aubree. Il était un des fondateurs du mouvement de l'impressionnisme qui avait été appelé après son impression de peinture, Sunrise. Bien que ses parents froid le Oscar, il était devenu célèbre et connu sous le nom de Claude Monet. Le 20 mai 1841 Claude Monet a été baptisé à Notre-Dame-de-Lorette. Son parrain était Claude-Pascal Monet, un marchand de Nancy.

    Jusqu'en 1845 Monet a vécu à Paris avec ses parents et son frère aîné Leon. Il était parisien que ses parents et grands-parents avaient été. Les quatre ses grands-parents installés à Paris autour de 1800. Sa mère était musicale et son chant avaient fait partie de l'arrière-plan de l'enfance de Monet. Son père a été décrit comme gardien de magasin dans ses documents officiels. Vers 1845 le père de Monet a offert un emploi par Jacques Lecadre, mari de sa demi-sœur, Marie-Jeanne Gaillard qui avait vécu dans Le Havre. Claude Adolphe et sa famille ont déménagé à Le Havre, la ville côtière de Normandie, où Oscar-Claude avait obtenu l'enseignement primaire à l'école privée.

    Le 1er Avril 1851 Claude est entré dans le "collège communal" Le Havre qui avait fourni une éducation «classique»: avec le latin et le grec à partir du premier formulaire et aussi avait abrité une école de commerce et de l'école de dessin municipal. L'école était sur la rue de la Maillereaye, près de la maison de Claude, pour qu'il puisse dormir à la maison. Ils avaient deux classes à l'école, un peu plus de deux heures chacune: une le matin, une l'après-midi, mais Claude Monet avait passé la majeure partie de son temps à l'extérieur. Cinquante ans plus tard, il a été de dire: ". Je suis naturellement indiscipliné L'école a toujours senti comme une prison, je ne pourrais jamais me résigner à y vivre, même quatre heures par jour." Monet est allé au port et à la plage du Havre, qui étaient à pied de cinq minutes à peine de son école, mais, aussi, les falaises de Sainte-Adresse, à trois kilomètres. Il a affirmé avoir quitté l'école à 13-14 ans (1855-1856), mais il est tout à fait possible, il est resté jusqu'en 1856-1857. Le 28 Janvier 1857 La mère de Monet est mort et sa veuve, tante sans enfant l'avait pris dans sa maison.

    A l'école Le Havre, le dessin avait été enseigné depuis 1829 par Francais-Charles Ochard. Il était enseignant capable et très patient, bien capable de retenir l'attention de son élève. Monet n'a pas mentionné cette période sous son maître dans ses souvenirs plus tard, car il avait été complètement différent du stile de célèbre et bien connu Monet. Il se noyer dans un stylo ou un crayon, en simple carnet de croquis, pour la plupart des croquis de personnes, de bateaux, des paysages et, également, des caricatures de ses maîtres, mais pas pendant les classes de dessin. Elles ont été faites habituellement le dimanche. Certains d'entre eux avaient la date spécifiée. Monet est devenu populaire et a exigé grâce à ses caricatures distribués à l'école. Il chargea pour les portraits et fait la majeure partie de sa vogue de cette façon. Monet expose ses caricatures au Gravier de, stationer, encadreur et une boutique de ferblantier. Chaque dimanche de nouvelles caricatures monteraient, encadrée dans perlage or. Malheureusement, moins de cent œuvres originales ont survécu.
    Peinture Impression: Sunrise par Claude Monet
    Impression: Sunrise

    M. Gravier avait un vieil ami qu'il avait voulu rencontrer Monet. Il était M. Boudin qui était devenu le mentor de Monet et avait reconnu son don. Avec Boudin, âgé de seize ans Monet a appris l'utilisation des pastels et huiles pour fixer les couleurs du monde extérieur. "Si je deviens un peintre", at-il dit Jean-Aubry, "il est à Eugène Boudin que je dois le fait." Sous la direction de Boudin Monet a connu "en plain air" (en plein air) peinture et également peint son premier paysage "Vue de Rouelles" qui avait paru sous le numéro 380 dans l'exposition municipale Le Havre d'Août-Septembre 1858. Cette peinture a également été connu sous le nom "Vue des bords de la Lézarde", car il a montré une vallée et flux soit le Rouelles ou Lézarde, que les Rouelles coulaient dans. Présumé perdu, la peinture a été découvert après cent ans et positivement identifié.

    En Avril 1859 Monet se rend à Paris pour visiter le Salon au Palais de l 'Industrie et de prendre contact avec des artistes. Là, il rencontra Amand Gautier, Lhuillier, Troyon et Monginot. La même année, en hiver, Monet définitivement déménagé à Paris et était entré dans l'école privée, l'Académie Suisse où il avait rencontré Pissarro et Courbet. À l'Académie Suisse Monet tirait constamment des chiffres, mais aucun de ces dessins avait survécu.

    En Juin 1861 Monet a été appelé pour le service national. Il a rejoint le premier régiment de cavalerie légère africaine en Algérie, où il avait passé un an. Les paysages et les couleurs de l'Algérie a présenté une perspective totalement différente du monde, celui qui devait lui inspirer pour de nombreuses années à venir. En fait, Monet aurait dû rester en Algérie pendant sept ans, mais sur sa typhoïde contractant, sa tante Madame Lecadre était intervenu pour le faire sortir de l'armée. Sa seule condition était que Monet revient à Paris et a complété un cours d'art à l'université. Mais, Monet ne sont pas inscrits à l'Ecole des Artistes, car il avait l'art traditionnel enseigné que Monet avait été très contredire et désillusionné avec.
    Peinture Vue de Rouelles par Claude Monet
    Vue de Rouelles

    Il a rejoint l'atelier du peintre d'origine suisse Charles Gleyre à Paris, en 1862, où il avait été pendant environ deux ans. Là, il a rencontré Pierre-Auguste Renoir, Frédéric Bazille et Alfred Sisley. Tous les quatre d'entre eux avaient de nouvelles approches de l'art et ils ont tous peint les effets de la lumière "en plain air" avec la couleur cassé et traçages rapides. Voilà exactement ce qui est devenu connu comme l'impressionnisme. Ils ont fait des voyages fréquents à la forêt voisine de Fontainbleau - situé au sud-est de Paris. Il avait été un lieu populaire pour les artistes pour un certain nombre d'années. Cependant, ce nouveau groupe a brisé la tradition de la peinture de leurs prédécesseurs en remplaçant les couleurs discrètes et des ombres avec des espaces ouverts et la lumière du soleil. Lorsque Monet ne remplissait pas son besoin d'être à l'extérieur en allant à Fontainbleau, il rendait visite à son vieil ami, Boudin, Le Havre.

    Bien que Monet compris et aimait la nature et à l'extérieur monde, il voulait faire un nom pour lui-même, de sorte qu'il avait peint un certain nombre de photos à l'intérieur, qui avait été dans un style traditionnel et très réussie. Mais son plus gros morceau a attiré quelques critiques. Malgré cela, Monet a persisté dans ses efforts pour faire appel à l'Académie et au cours de la période 1865-1866, il avait peint un certain nombre de sujets avec des degrés de succès. Sa dernière entrée au Salon 1866 était avec la peinture: Camille ou la femme dans la robe verte (La Femme à la Robe Verete), qui avait été peint en quatre jours et lui avait apporté la reconnaissance et, aussi, l'introduction à sa maîtresse, Camille Doncieux. Monet a été déterminée pour atteindre le succès complet. Il se plonge dans son prochain projet et l'entrée au Salon pour l'année suivante: les femmes dans le jardin. Le Salon, cependant, a rejeté la peinture quand il a finalement été conclu pour la saison suivante.

    Peu après la décision du Salon, Camille devient enceinte. Ils avaient peu d'argent et étaient en grande partie dépendante des amis de Monet. La tante de Monet le prit dans sa maison, à Sainte-Adresse, mais Camille a été forcé de rester à Paris où elle avait porté leur premier enfant, le fils Jean en 1867. En ce moment-là, Monet interrompu son travail à l'extérieur, parce qu'il avait des troubles de la vue .
    Peinture Camille ou la femme dans une robe verte par Claude Monet
    La femme dans une robe verte

    En raison de problèmes financiers, Monet tenté de se suicider en se jetant dans la Seine en 1868. Après cela, Monet a reçu une pension de M. Gaudibert, ce qui lui a permis de poursuivre son travail et à peindre dans Fécamp et Etretat. Au cours de 1869, Monet a été réglée dans le village de Saint-Michel près de Bougival où il peint en compagnie de Renoir.

    En 1870, Camille Doncieux et Claude Monet mariés. Courbet était le meilleur homme de Monet. Peu de temps après le mariage, la guerre franco-prussienne a commencé et ils ont quitté la France et se réfugia en Angleterre, Londres. A Londres, Monet a rencontré Anglais paysagistes: John Constable et Joseph Mallord William Turner. Leurs œuvres ont inspiré Monet à faire quelques innovations dans l'étude de la couleur. Monet, également, rencontré Pissarro et Daubigny, ainsi que M. Durand-Ruel qui avait acheté plusieurs de ses toiles et avait été exposé ses œuvres nombreuses fois. La même année, 1871, le père de Monet est mort.

    Monet a voyagé aux Pays-Bas et d'Anvers, en Belgique, et après ces voyages, il rentre en France et installé avec sa famille à Argenteuil, un village sur la Seine près de Paris. Ils y avaient vécu de 1871 à 1878. Pendant son séjour à Argenteuil, ses amis le rejoignirent souvent et peint avec lui: Renoir, Manet, Caillebotte et Sisley.

    Cette période a été très important; il a été le point du mouvement impressionnisme culminant et certains des meilleurs œuvres de Monet avait été peint à Argenteuil. Un de la peinture de la plus célèbre Monet l'est Impression, Sunrise (Impression: soleil levant) peint en 1872 ou 1873, dont le titre de l'ensemble du mouvement avait obtenu le nom. Il était critique d'art Louis Leroy, qui a inventé l'impressionnisme terme, et il avait été désobligeant, mais, Impressionnistes avaient aimé et avait trouvé très approprié pour eux. L'impression de peinture, Sunrise a été exposé 1874 à la première exposition impressionniste dans l'atelier de Nadar. Aujourd'hui, il est affiché dans le Musée Marmottan-Monet à Paris.

    Cette première exposition impressionniste a été organisée par Manet, Degas, Cézanne, Renoir, Pissarro, Sisley et Monet et il avait été un désastre complet. Les problèmes financiers sont apparus à nouveau et ont provoqué l'insécurité pour la famille de Monet. Merci à son ami Manet, Monet avait séjourné dans Argenteuil pendant quatre ans de plus.

    Monet, aussi, fait une vente de ses peintures à l'Hôtel Drouot, mais il avait été un échec, aussi. Malgré tout cela, la peinture de Monet n'a jamais été morose ou sombre. Au contraire; il se plonge dans la tâche de perfectionner un style qui avait toujours pas été acceptée.

    Pendant les années 1870 et 1880. Monet affiné progressivement cette technique, et il a fait de nombreux voyages dans des zones pittoresques de France, en particulier les côtes de la Méditerranée et de l'Atlantique, pour étudier les effets les plus brillants de lumière et de couleur possible. Ne jamais complètement satisfait, Monet est allé à Dieppe, Pourville et Varengeville-sur-Mer, aussi.

    En 1876, Monet a rencontré Ernest Hoschedé, homme d'affaires et collectionneur, et son épouse Alice. Ernest Hoschedé l'a invité au château de Rottembourg à Montgeron. Il est devenu un ami de la famille et a rencontré Edouard Manet, Carolus-Duran et beaucoup d'autres là-bas. Famille Hoschedé a acheté certains de ses tableaux. Un an plus tard, Ernest Hoschedé faillite et ils avaient été contraints de vendre leur collection de peintures impressionnistes pour un nickel et un sou.

    Le 17 Mars, 1878 Monet et sa femme Camille avaient obtenu leur deuxième fils, Michel. La même année, Mme Hoschedé et madame Monet ont décidé de passer l'été ensemble. Ils ont loué une maison à Vétheuil à côté de la Seine, grâce aux achats effectués par Manet. Lors de la quatrième exposition impressionniste en 1879, plusieurs tableaux de cette période ont été présentés.

    En 1879, la femme de Monet Camille est mort de la tuberculose à Vétheuil. Alice Hoschedé a décidé d'aider Monet et a pris soin de ses deux fils avec ses propres six enfants. En 1881, tous les déplacés à Poissy qui Monet détestait. De la porte du petit train entre Vernon et Gasny il a découvert Giverny.

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    En Avril 1883, ils ont loué une maison à Giverny, en Haute-Normandie, de Louis-Joseph Singeot. Monet y vécut les 43 prochaines années, jusqu'à sa mort. La propriété étalée sur près de deux arpents et demi et descendait vers le bas du village. A l'extrémité inférieure est le "chemin du Roy", le long de laquelle a couru un petit chemin de fer local reliant Vernon et Gasny, et à la limite supérieure a été la "rue de Amsicourt", maintenant appelé la «rue Claude Monet". Monet se consacre au jardinage et a planté un grand jardin où il peint pour le reste de sa vie et qui avait fourni un motif pour son dernier travail important: The Water Lily Pool. Il a travaillé sur cette série de peintures presque exclusivement à partir de 1900 jusqu'à sa mort. Dans cette période, il a également peint ses autres groupes célèbres de peintures qui représentent le même objet: haystacks, peupliers, la Seine, vu à la lumière variable, à différents moments de la journée ou les saisons de l'année.

    Merci à Durand-Ruel, Monet expose à New York en 1887.

    En 1889, la Galerie Georges Petit a organisé une grande rétrospective de l'œuvre de Monet, montrant 145 peintures. La même année Monet a également exposé avec Rodin.

    En 1890, Monet était financièrement pour acheter une maison à Giverny, puis il a changé le jardin: il a construit trois serres et avait commencé à creuser le bassin pour les nénuphars et la construction du pont japonais sur un terrain qu'il avait acheté. Il a finalement construit le pont, après d'innombrables difficultés administratives, en 1895.

    Entre 1888 et 1891 Monet peint la série de vingt-cinq Meules (Meules). Quinze peintures de ces vingt-cinq ans ont été exposés au Durand-Ruel en 1891. La même année Ernest Hoschedé est mort.

    En 1892, Monet expose Poplars (Peupliers) aux côtés de la rivière Epte au Durand-Ruel. De 1.892 à 1.898 Monet peint d'autres séries de tableaux: Rouen Cathédrales, les Chambres du Parlement, le matin sur la Seine et nénuphars.

    En 1892, Monet peint la série des Cathédrales (Rouen Cathédrales). La même année en Juillet Monet épousa Alice Raingo, la veuve d'Ernest Hoschedé, avec lequel il avait avait eu une affaire au cours de son mariage avec Camille.

    En 1894, Mary Cassatt, Rodin, Clemenceau, Renoir, Sisley, Pissarro, Matisse, John Singer Sergent, le critique Gustave Geffroy et Octave Mirbeau visité Monet à Giverny. Georges Clemenceau est devenu l'ami intime de Monet qui le comblait d'admiration et d'affection jusqu'à sa mort.

    En 1900, Monet peint plusieurs vues sur le pont japonais, a commencé la composition des nénuphars et avait voyagé à Londres trois fois 1899-1901 pour peindre les vues de la Tamise, les vues du Parlement et des vues de Charing Cross Bridge.

    En 1904, Monet a voyagé à Madrid où il a admiré les peintures Velasquez.

    En 1907, Monet avait des problèmes avec sa vue et les premiers symptômes de la cataracte. Mais, il n'a pas arrêté de lui pour se rendre à Venise, en Italie, et a fait une importante série de peintures. Entre 1883 et 1908 Monet a voyagé à la Méditerranée où il avait peint des monuments, des paysages terrestres et marins, tels que Bordighera.

    En mai 1911 sa femme Alice est mort à Giverny.

    En 1914 fils aîné de Monet Jean est mort et Monet fille-in-law, Blanche Hoschedé-Monet, a déménagé pour vivre près de lui et regarda derrière lui pour le reste de sa vie.

    De 1914-1915 Monet a décidé de construire un grand studio à Giverny: 23m x 12m, au sommet du jardin, sur le côté gauche. Il voulait faire de son rêve vérité venu: pour créer Les Nymphéas (Décorations des Nymphéas).

    Il a commencé cette série de tableaux en 1916 et les avait peint jusqu'à 1926. Monet a travaillé sur douze grandes toiles. En 1918, il a fait don à la France, après la signature de l'armistice. Ces peintures ont été installées dans un espace architectural conçu spécialement pour eux - deux salles ovales - au musée de l'Orangerie à Paris.

    En 1923, Monet était presque aveugle et a subi une opération de la cataracte dans un œil. Sa vue améliorée après.

    Au début de l'année 1926, en Février Monet avait encore peint, mais il souffrait d'un cancer du poumon. Le 5 Décembre, 1926 Monet est mort à Giverny à l'âge de 86. Il a été enterré dans une cérémonie simple dans sa tombe de la famille dans le cimetière de l'église de Giverny. Son ami Georges Clemenceau assisté à la cérémonie.

  • Swimming Upstream


    Ce matin, George m'a rejoint dans la chambre après avoir peint toute la nuit. Nous étions à la fenêtre et regardé le lever du soleil.
         "Il n'y a qu'un hibou," murmurai-je.
         "Peut-être qu'ils se séparent,» répondit-il.
    Mais nous savions tous les deux mieux.
    -De l'autre côté de la peinture

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    Nous voulions voir les ours.

    En 2003, alors qu'en Alaska, George Rodrigue et moi avons volé dans un hydravion à une zone côtière à distance à proximité d'un sentier. Aucun d'entre nous étaient randonneurs; nous avons préféré marcher dans les bois. Ce jour-là, nous avons suivi la piste tout en applaudissant et chantant (spirituals Jimmy Swaggart, je me souviens) de peur que nous surprenons les habitants, atteignant finalement une petite structure de type cabine sur une rivière.

    Maintenant calme, nous hunkered bas à l'affût et attendit.

    Immédiatement, nous avons été distraits --- non pas par les ours, mais par les poissons --- tant saumon de repérer un, beaucoup moins compter le nombre, était impossible. Ils ont nagé furieusement dans une mer d'eux-mêmes, un phénomène ondulatoire. Murmurai-je à George,

        «Je ne l'ai jamais vu quelque chose ou quelqu'un se battre si dur pour quelque chose."


    Il hocha la tête en silence et, surpris, nous avons étudié la situation, remarquant à peine les ours comme ils s'empaillés au buffet.

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    (Photo, Baby George et Boogie Ours, 1995 par George Rodrigue, édition sérigraphique 90, 30x21 pouces)

    Nous avons appris plus tard que le saumon, né dans un petit étang d'eau douce, nager avec le courant de l'océan, où ils errent loin dans l'eau salée pendant plusieurs mois ou plusieurs années, selon la variété, jusqu'à ce qu'une alarme sonne quelque part à l'intérieur et dit, Ça suffit, l'heure d'aller, à quel point ils prennent un virage serré dans ce même flux d'eau douce, pour une lutte encore plus difficile, cette fois contre le courant, avec des rochers et de l'eau qui fait rage et les ours, pour atteindre l'endroit même où ils étaient nés.

    Quel est le problème avec la pêche au saumon? ... George et je voulais savoir, réaliser que nous pourrions attraper le poisson avec nos mains. Tours dehors, cependant, qu'au moment où les poissons commencent ce voyage pour de bon, ils sont déjà décomposent, un détail qui ne fait aucune différence à un ours, mais tourne l'estomac de nous les humains.

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    (À partir de Pourquoi est-Blue Dog Bleu ?; cliquez sur la photo pour l'agrandir)

    Des millions de poissons, environ un pour cent atteignent la fin ou, selon d'un point de vue, le début. Parmi ceux qui le font, les femmes, juste avant leur mort, pondent leurs œufs dans l'eau peu profonde. Les mâles, en décomposition tout le temps, utilisent leur dernière once de virilité de se battre pour les droits de fertilisation. Pas étonnant, nous Mused, qu'un régime alimentaire riche en saumon est recommandé pour augmenter les niveaux de testostérone chez l'homme.

    Au coucher du soleil, après une journée complète avec le poisson, nous étions sur la rive en attendant notre vol de retour et, en prime, repéré les aigles à tête blanche. Dans ma mémoire, il semble qu'il y avait des centaines d'entre eux, un oiseau que nous rarement vu auparavant, et seulement singulièrement, dans le désert près de Big Sur Carmel. Pourtant, le jour de cette fin d'été en Alaska, le plus vénéré des oiseaux de l'Amérique se pressaient les cimes des pins, sans doute attirés, comme les ours, et comme nous, par le poisson distrait et sans méfiance.

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    (À partir de Pourquoi est-Blue Dog Bleu ?; cliquez sur la photo pour l'agrandir)

    Depuis la visite de l'Alaska il y a douze ans, nous avons souvent rappelé le saumon, surtout au cours des derniers mois de la vie de George. Leur histoire se déroule comme un drame shakespearien, une métaphore pour la vie, vraiment. Il est la poussière à la poussière, avec la volonté de vivre et le désir d'aimer se situant quelque part entre les deux.

    Une fois, il y a quelques années, après plusieurs misdiagnoses concernant une décoloration de la peau sur mon torse, je suis devenu un projet de classe (un rat de laboratoire) dans un hôpital universitaire où le professeur, debout sur moi, a expliqué mon état rare. Comme je l'ai couchée sur la table, tandis que George et une demi-douzaine de stagiaires regardaient, le médecin a déclaré, la matière d'un ton neutre,

        "Votre épiderme est en décomposition."


    A l'unisson horrifié et à la confusion de tous, George et moi écrièrent,

         "Comme le saumon ?!"


    Suivi par...

        "Est-ce que je (elle) odeur ?!"


    (L'état de la peau, en passant, est appelé morphée, mon cas est indolore et relativement doux, et il fournit l'excellent service de garder ma vanité en échec.)

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    Pour l'ensemble de ses peintures d'arbres de chêne et un chien, George n'a pas été un naturaliste ou la nature-peintre. Par conséquent, je n'ai pas de peintures de l'Alaska ---- ou du saumon ou des ours (à l'exception des ours en peluche) ou des aigles à partager avec vous. Il ne jouit photographier la nature. Cependant, à quelques exceptions près, ces images restent dans ses dossiers, un endroit que je ne peux pas encore faire face. Donc, nous allons tous attendre et, comme George attendrait que je fasse de toute façon, revoir le saumon une autre fois.

    Comme je l'ai partagé souvent dans des conférences et des essais, bien que George admirait plein peintres de l'air, il n'était pas lui-même; et il n'a pas peint la nature de ses photographies, même si il a utilisé la photographie comme un outil, généralement coupe et éléments coller des photos pour créer des dessins fabriqués sur sa toile.

    Il a également utilisé la photographie pour l'inspiration. En fait, à la fin des années 1960, avant de peindre la Louisiane, il a photographié. Après avoir étudié ses diapositives il a réalisé que peu importe quoi ou à qui il a photographié, "Chaque image contient un arbre."

    Ce fut cette prise de conscience qui l'a conduit à choisir l'arbre de chêne comme sa forme et symbole, ne repose pas sur un arbre particulier dans la nature, mais plutôt sur son arbre, celui «ici», disait-il, tout en serrant sa poitrine. Il a développé un style de peinture de l'arbre, avec des bords durs et disséquée par la toile, de sorte que le ciel et la lumière créent des formes intéressantes sous les branches, plutôt que les frais généraux.

    "Si vous vous tenez ici, Mlle Wendy», a noté un enfant sage, comme elle a pris ma main au cours d'une excursion scolaire au Besthoff Sculpture Garden, «la lumière brille sous les arbres, tout comme dans les peintures de M. George."

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    (Photo, The Road Back, 2008 par George Rodrigue, l'huile à base d'eau sur toile, 18x24, cliquez sur la photo pour agrandir-)

    Ces jours-ci, quand je me réveille la nuit, je ne trouve pas George, comme je l'ai fait avant, à son chevalet. Mais je ne me sens lui dans ces «histoires de poissons» et, bien que je suis rarement en Louisiane plus, dans la nature. Je lui sens sur le sable blanc et les eaux vertes de Okaloosa Island, dans les longues ombres projetées par les courtes nouvelles Pinons mexicaines, et dans les yeux des animaux qu'il n'a jamais peint ---- tels que Zoey, ma sœur chien de la famille de Heather.

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    George et je me sentais liée à une paire de grands-ducs qui nous ont rejoint pour les années à regarder le lever du soleil derrière notre maison à Carmel Valley. Les oiseaux nocturnes géants, cependant, toujours laissé dans la brume du matin, bien avant que la lumière a permis une photographie décent.

    Le jour de Thanksgiving 2014, dans l'après-midi de soleil d'or de Galisteo, Nouveau-Mexique, un visiteur peu probable déplacé un petit rassemblement au silence. Il est resté un long moment, peut-être une demi-heure, en regardant ces famille et les amis, entre moi-même, fils André George, et, en tant que groupe, l'artiste-pairs George admirait le plus, la chose la plus proche, il savait à un Reiter Blaue ou à Vienne Secession, et la raison pour laquelle il a visité Santa Fe chaque année depuis la communauté de cette première artistes l'accueillit avec une exposition solo au milieu des années 1980. D'une façon ou une autre, j'entendu de la quasi-totalité d'entre eux au cours des semaines suivantes, chacun croyant la chouette d'avoir été un phénomène mystique ou visiteur d'un certain type.

    -cliquez photo pour agrandir-

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    Je ne sais pas si George a essayé de me contacter ou non. Je ne sais même pas si je crois en ces choses. Je suis sûr, cependant, que le hibou est plus probable un signe que le saumon, qui se trouve, dans ma nouvelle maison sud-ouest, seulement à certains restaurants. Ce que je sais est que je suis encore nager en amont, à la recherche de lui, malgré les chances ... .. partout.

    Wendy

    * Avec ce retour à bloguer, je me rends compte, à la fin, que je suis le gardien de la mémoire, et que si je ne les écris pas et les faire sortir de ma tête, puis les histoires finissent. Je dois aussi des revues de notes et d'essais semi-finis à base de conversations avec George. Pas de promesses sur combien de fois je vais poster, cependant, parce que, eh bien, nous revivant sans lui est ....

    * Les images de compagnie de George et de moi au sein de ce poste sont des collages numériques (2013, 20x20 pouces, éditions 50, cliquez sur les photos pour agrandir), une combinaison de peintures et de photographies disposées et colorées par George dans son ordinateur, puis imprimé sur un chiffon lourd papier. Wendy est sa dernière œuvre qui me comprend; et Rodrigue est son dernier auto-Portrait-

    * Notre visiteur hibou a été photographié par l'ami de George, l'artiste Douglas Magnus. Au cours d'une période de 25 ans, les deux ont collaboré à de nombreuses boucles et bijoux designs uniques, comme cette ceinture, qui ils ont fait pour moi en 2012-


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    * Au cours des derniers mois, la famille Rodrigue a pris personnellement à la fois la page Facebook de George et la fondation de, en élargissant les postes à présenter non seulement son art, mais cite aussi, des histoires et des photographies. S'il vous plaît rejoignez-nous sur Facebook à The Art of George Rodrigue et la Fondation George Rodrigue des Arts. En outre, nous trouver sur instagram-

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